PAGEPAGE1鋼琴基本功訓練內容和方法第一篇：鋼琴基本功訓練內容和方法鋼琴基本功訓練內容和方法鋼琴演奏一直以來被公認為是一項高雅的藝術形式，在多元化藝術表達的今天，鋼琴依然擁有著穩定的青睞者和追隨者，在本文中，主要從基本功在鋼琴演奏中的重要作用，鋼琴基本功的主要內容，基本功練習的主要方法三個層面入手進行具體的闡述。一、鋼琴基本功訓練的重要作用世界著名的鋼琴大師拉赫瑪尼諾夫曾經指出，“一位優秀的鋼琴家，必須具備快速、干凈、靈活、清晰的基本技巧。”正如拉赫??尼諾夫所言，一位鋼琴演奏者在演奏的過程中必須身心合一，身隨心動，將心中所想通過手指表達出來。演奏者在演出時不僅要全身心的投入，必要的演出技巧也必不可少，而基本功則是技巧運用中重要的一環，只有技術過硬，才能在演奏作品時能準確的把握作品的節奏、速度、邏輯，并能將音樂的主旨清晰流暢的表達出來，并極富感染力。二、鋼琴基本功訓練的主要內容鋼琴的演奏涉及到多個層面，鋼琴的訓練不可能一蹴而就，要從基礎著手，從基本功開始：（一）手指訓練鋼琴演奏主要用到的身體部位就是手指，手指訓練，更多的傾向于對手指機能的訓練。在鋼琴演奏過程中，最直接也最敏感部位就是手的十指，十指的協調、靈活使用是演奏好樂曲的關鍵，然而，由于手指機能不同，手的食指和中指相對于無名指和小拇指較為有力，而無名指和小拇指的獨立性也較弱，對其他手指的依附性較強，在演奏時容易被牽動。但在演奏過程中，每個手指都有其特殊的作用，為了使每個手指都能夠平穩、獨立、有力、協調的進行演奏，需要對它們進行訓練，只有不斷的訓練和強化，才能使手指的靈活度加大，在演奏時更加得心應手。（二）識譜訓練對一位想要學習鋼琴的人來說，不會識譜無異于被判了“死刑”，但是識譜的訓練，又不單單的是指單純的對音符的識別能力，識譜能力的差異決定了演奏水平的差異，只有具備了較高的識譜能力，才能演奏出優美、高雅的樂曲，但是在現實生活中，一些初學者急于求成，只單純的“認譜”而未“識譜”的前提下就盲目的彈奏曲目，這樣彈奏的曲子毫無感染力，缺少韻味。當然，在實際演奏過程中，要做到“眼觀六路”，在每一個鍵位找準并彈奏的前提下，眼睛要迅速的轉向下一個音，只有這樣，在使識譜的速度加快的同時，流暢的演奏曲目。（三）音樂聽覺的訓練鋼琴演奏最主要的就在于聽，只有聽到了才能感知和判斷，對聽覺的訓練不僅僅是指對高低音的分辨，也不單純的是對耳朵的訓練，它指的是將雜亂無章的音樂表達整合成有規律的清晰的思維，所以說，對聽覺的訓練中還內含了對心理功能的訓練。因為不同的曲目根據演奏者不同所表達的情緒也不同，要迅速的從中進行分辨就需要對聽覺進行訓練，例如在欣賞著名音樂家巴赫的作品時，就要通過對不同聲部的交叉進行仔細的辨別才能明白其中的主題。三、鋼琴基本功的訓練方法鋼琴基本功訓練要講求方式方法，只有正確的方法才能保證訓練的順利進行，才能保證演奏曲目的質量。（一）跳音彈奏方法跳音，即頓音，跳音分為手腕跳音、手指跳音、手臂跳音。在鋼琴演奏過程中，學生們為了使腕關節保持彈性及掌關節保持穩定，會讓手指的重力緊貼著琴鍵，并將手連同著手腕向上彈起，很多學生在演奏中感覺彈奏跳音和打琴鍵十分相似，這是由于手指下鍵和離鍵的速度慢導致的。手腕發力在跳音彈奏中是很必要的，手指下鍵后立刻離鍵，這種效果活潑、輕巧，使整個樂曲充滿了活力，別有一番韻味。（二）音階琶音彈奏方法在鋼琴演奏過程中，音階和琶音是經常運用的一種彈奏方法，在進行音階和琶音的訓練時要注意以下兩個要領：一是要有正確的姿勢，同時在彈奏時因為拇指較短，所以應該將它稍微的立起來，不能讓它處于躺著的姿勢，不然彈奏的過程中手腕就會高低不勻，從而影響了整個演奏的效果。二是要注意跨指和穿指彈奏時，手腕要平穩的移動，不要外抬，同時不要速度過快，盡量慢練，俗話說“慢工出細活”對音階和琶音的訓練亦然。（三）八度和分解八度彈奏方法在鋼琴彈奏過程中，八度演奏方法要求手指有力而堅定，手腕處于放松狀態，肘部富有彈性，與背部及大臂協調配合。在對八度演奏時，小指的訓練非常重要，因為在手指中，小指對其他手指的依附性強、獨立性差，但音樂中的某些聲部則要小指負責，所以要加強對小指的訓練。在進行分解八度的訓練中，可以嘗試著從體會拇指到小指力量的變化著手，訓練時將大拇指當琴鍵上，然后使大臂的力量下沉，跳的時候將手指抬起，跳到下一音的時候，力量落到小拇指上。四、鋼琴基本功訓練中值得注意的問題探討鋼琴訓練是一個復雜的工程，涉及面廣，任何一個問題的存在都將影響這個曲目演奏的效果及初學者對鋼琴訓練的領悟。（一）鋼琴訓練中對聲音的訓練對聲音的訓練，不單純的是指演奏者對演奏技術掌控這么簡單，每首曲目都包含了作曲者的心血和情感，演奏者只有能夠真正的體會其中的深意，才能將曲目“完整”的演奏出來。當然，對于初學者來說，首先要加深對曲目本身的了解，同時要有豐富的想象力和判斷力；其次，要運用嫻熟的演奏技巧根據曲目所表達的內容的不同起承轉合，陰陽頓挫，將曲目中所涵蓋的深意和情感直白的呈現給聽者。（二）鋼琴訓練中對多聲部的訓練在鋼琴演奏中，對多聲部的訓練也是極其重要的。在對多聲部進行訓練時，因為每個聲部都有其特定的作用和地位，所以要特別注意對各聲部的把控力度，注意和旋的每個音節、旋律、伴奏都要清晰可聞，做到主次分明。總之，在鋼琴基本功訓練過程中，除了要注重對鋼琴演奏基本方法、演奏技巧特別注意外，更加值得注意的是要深刻的領悟曲目中所表達的深意，鋼琴訓練時一個漫長的過程，要養成一個良好的心態，不能急于求成，要循序漸進，只有將基本功打扎實了，才能在以后的演奏中得心應手，才能取得質的飛躍。第二篇：芭蕾舞基本功訓練內容芭蕾舞基本功訓練內容地面素質訓練(壓腿、踢腿、下腰等等)、把上練習(把桿練習)、把下練習(也叫“脫把訓練”或“地面練習”)地面素質訓練地面素質訓練包括坐在地上做勾腳背、盤腳壓胯、仰臥吸腿、側臥旁吸腿、俯臥后吸腿、腰部訓練、仰臥前大踢腿等動作。這些動作可以打開肩部和胯部關節韌帶，加強腰的柔韌性，增強腿部和后背肌群的彈性和力量(解析：壓腿、踢腿、下腰主要是“開軟度”的項目，是學員軟度練習的必要手段。把上練習把上練習(也叫“扶把訓練”或“把桿練習”)是指訓練的時候扶著固定的物體進行的訓練。包括擦地練習、蹲步練習及壓腿練習等等。把上練習是塑造姿態美的主要手段，對發展下肢及軀干的力量、柔韌、靈巧、協調，增強對身體重心的控制、提高平衡能力都非常有效，同時使起到身體的姿態規范化的作用。包括基本手位和基本站位及半蹲、全蹲(比如“雙手扶把蹲”、“單手扶把蹲”)及擦地(比如“雙手扶把擦地”、“單手扶把擦地)”及小踢腿(比如“雙手扶把小踢腿”、“單手扶把小踢腿”)和劃圈等動作。把下練習把下練習(也叫“脫把練習”或“地面訓練”)難度較大，動作分為手位與腳位的訓練，如手臂波浪形的舞動、腳做劃圓等動作，還有步伐和足尖的訓練。其中，步伐訓練包括輕柔步訓練、跳躍步訓練、碎步訓練等等。與前面的訓練相比，增加的練習有跳躍練習。小跳還可以分為一位小跳、二位小跳、五位小跳。中跳是隨后的訓練，主要以原地跳為主，分為一位中跳、二位中跳、單起雙落方法和雙起單落方法。最后就是大跳了。芭蕾舞基本功訓練大踢腿的注意事項起腿要輕腿將要踢起時，要迅速地將身體重心移到另一腿上，使將要踢起的腿部肌肉放松，這樣才會起腿輕，踢腿快如風。為防止摔倒，也可背靠墻或肋木練習。踢時要快腿由下至上，應快速向面部擺動，這里有一個加速的過程。踢時髖部要后坐，腿上擺有寸勁。剛剛練習踢腿時，必須始終保持動作的規范性，寧可踢得剛過胸，也不把支撐腿的腿跟抬起或膝部彎曲，或是彎腰凸背用頭去迎碰腳尖，這些均說明腿的柔韌性訓練不到位，韌帶還沒有拉開。只要堅持壓踢結合，常練不輟，定會達到腳碰前額的。落腿應穩初練者，往往踢起腿剛落地，就踢另一腿，從而出現出腿笨重、身體歪斜的現象。這是因為踢出的腿剛落地時，身體的重心還在原支撐腿上，腿下落時轉移重心，勢必出現上述現象。正確的做法是等腿落實后，身體重心轉換已畢再踢出另一腿。其實這樣練習也有利于實戰中連環腿法的應用。芭蕾舞基本功之芭蕾舞的“八字”技巧1、“開”就是指舞者不分男女，均需肩、胸、跨、膝、踝，五大關節部位左右對稱的外開，特別是兩腳向外180度的展開，最大限度的延長了舞蹈者的肢體線條，擴大舞蹈動作的運動范圍，增強了表現力，同時也增強身體的平衡能力和運動的靈活性。美國著名舞蹈評論家珍妮·科恩指出“芭蕾的古典風格是以腳的五個位置為基礎的動作。這五個位置中表現出外開的本質是指兩腿以髖關節處向外旋轉。表演時，在舞臺有限的空間內炫耀和張揚貴族的氣派。”(正象有人所說，芭蕾舞腳位的一位表現重視，二位表現自信，三位是謙虛，四位是自豪，五位是藝術效果。)貴族氣度不僅是芭蕾重要的歷史體現，也是審美標準的重要組成部分，通過系統的、科學的訓練使身體達到非職業舞者所不能的境界，使身體理想化、職業化。2、“繃”是指舞者踝部腳背的繃直，是古典芭蕾審美的根本標準之一。繃直的訓練主要是通過Battementtendu(擦地)的練習，以及在各種跳躍的過程中下肢收緊，腳跟、腳掌、腳尖依次推地向高空跳起，使身體線條延長。以Battementtendu(擦地)為例，動作時腳跟推動腳背、腳尖向外擦出，一直到腳趾尖擦到最遠的點，腳趾尖勾向腳心，同時仍然保持延伸的感覺，好象要穿破地板繼續延伸。芭蕾是一種線條性藝術，只有各部位的繃直才能使觀眾有延長肢體線條的視覺感，只有通過繃才能在有限的空間內使肢體末稍具有放射性，使舞姿更加舒展。芭蕾曾在一段時期內追求“靈空”，舞者要有使舞姿輕盈飄逸的藝術魅力，也只有通過繃才能使肌肉收緊，產生上升的動勢。3、“直”是指主力腿和動力腿的膝蓋伸直，后背的垂直，換句話說就是把全身肌肉拉長，使芭蕾的舞姿達到舒展，長線條完美的視覺造型。這是古典芭蕾審美的根本標準之一。還有一種指芭蕾是直線藝術，在舞臺中的運動路線多呈直線形，這也與西方國家的思維方式一致。這一點與中國的“圓、曲線”的審美標準有很大的不同。身體與地面垂直也是古典芭蕾技巧所必須的，如旋轉技巧，動作時除了全身收緊向高空發射外，更重要的是頸、背、腰、臀垂直于地面，使力量集中在體內的中心線上，只有這樣才能使你的旋轉運動起來，否則所有的旋轉無從談起。4、“立”是指身體要直立、挺拔，并把身體重心準確地放在兩腿或一條腿的重心上其空間占有感像古典的宮殿似的傲然挺立和氣宇軒昂。這和古典芭蕾發源于皇家宮廷的風格是一脈相成的，其目的在于顯示皇家貴族氣派，不是傭人和平民的風味。要求演員收腹，挺胸、重心上提，向高空層面發射使各種舞蹈動作和技巧準確的完成。是古典芭蕾審美的根本標準之一。5、“輕”是指舞者動作輕盈、自如，如：跳躍動作，起跳和落地時加強身體的控制能力全身看起來很放松動作自如，特別是落地時，需要腳趾、腳掌、腳跟依次落地并微微下蹲，就象小貓腳上帶有肉墊一樣，沒有聲音。就像前蘇聯芭蕾大師烏蘭羅娃所說的：“使舞姿輕巧的是跳舞匠、輕盈才是舞蹈家”。一名優秀的芭蕾舞蹈家即使在很累的情況下，也能很好的控制自己的身體和氣息，總是把優美、輕盈的舞姿展現給觀眾。給人以美的視覺享受和心靈愉悅。6、“準”是指準確完成每個動作和舞姿的規格要求，使動作運動路線和位置準確。有人做過實驗，一名技術過硬的舞者在訓練時，做了100次的Battementtendu(擦地)他的腳尖每次都擦至在一個點上，其路線也絲毫不差。即使技術性很強的動作也毫不例外。又如：空中轉兩圈(720XX，舞蹈者五位腳起跳在空中保持良好的舞姿后，落地時還準確地落在五位上，在古典芭蕾中這一點顯得格外重要，即使技術含量再高的動作，也要表現的準確無誤，否則古典芭蕾的動作規范會變形，也即將失去光彩。、“穩”是指動作要做得不僅準確而切穩健、扎實，比如芭蕾中有許多雙人舞的托舉技巧，需要男女演員默切，不要讓觀眾感覺到女演員快要掉下來一樣，動作做得東倒西歪，讓觀眾提心吊膽觀看，這樣的話還不如去看驚險刺激的雜技表演。還有做旋轉動作時要求演員在旋轉中保持良好的穩定性，結束時要使舞姿準確地、穩穩地停在一個點上，再加上音樂的渲染，作品的藝術表現力會讓觀眾報以熱烈的掌聲。8、“美”芭蕾舞和其它舞蹈一樣也是一種觀賞性極強的視覺藝術，需要一舉一動都要有美感，芭蕾舞對美的要求是極高的。是“流動的音樂、活動的雕塑”。象音樂一樣受時間的限制，象雕塑一樣受空間的影響，編導家門通過發現美，運用美的舞蹈形式反映美的生活，而觀眾通過對舞蹈美的感知進行想象創造，從而在情感上引起共鳴。第三篇：鋼琴學習基本功鋼琴學習基本功然后是我老師給我的手指練習音階：講究流暢性，首尾音可以重，然后流暢地彈下來，但是手指也要抬高，注意指尖與琴鍵的接觸和用力。裝飾音.顫音.波音.每個手指一組，一個八度的，一個一個音上去斷音：兩個到三個八度音階，要一定速度，用斷音彈，注意手腕不能硬半音.琶音：基本同音階雙手練習：雙手同一個手指連續一個左一個右那樣彈一個音，要一定速度并且每個音要彈準手指的獨立性手指的靈活性手指的力度這是最基本的，然后還有高層次一點的比如說你對一個曲子的細節處理呀，對那個曲子的感覺的把握呀，細到踏板怎么踩，樂句怎么劃分，某個音應該彈多重至于你提到的左右手的協調性是初學者常遇到的問題，原因是練少了（雖然這是個讓人覺得很暈的理由）是事實是確實是這樣的，兩只手彈不同的內容確實是要經過一定時期的練習才能夠熟練的，你可以慢慢來不要著急，先單手練熟悉了然后再雙手來，雙手合的時候要看左右手的節奏那里是對在一起的，對在一起的地方當然是一起彈````雖然過程很讓人抓狂但是你會發現經過這一段時間的這樣練習以后你會兩只手逐漸變得協調起來說到底只有練習才能夠解決雙手協調的問題關于獨立性就可以靠練習最基本的哈農來解決它好多都是練獨立性的，如果在有限的練習時間里抽那么一點時間來多練練它還是有用的。。。。。。由于你的為了娛樂而練習的估計也不會拿太多的時間來練習基本的東西，所以你可以在練習某個動聽的樂曲的時候把彈不熟的地方提出來反復多練習也性，切忌把一個曲子疙疙瘩瘩地從頭到尾地練不過音階和哈農確實很重要希望你能多多練，說給你聽也說給我自己聽，那是最經典的最基礎的練習現在來說說基本功中最重要也是最難掌握的方法，首先是手腕的丟，我有一些學生學了幾年轉到我手上一開始都是手腕上下抖個不停，我就勒令他們改，不改過來別彈快，因為彈快要低抬指，在初學時的高抬指時就因該彈一個音后馬上丟手腕，如果已抖了一年后要改半年－一年，所以奉勸人們在初學時不管是業余還是專業都要請專業的老師（起碼他自己彈琴是正確的方法），還要有一定的教學經驗，遇到不同情況知道怎么處理。其次是指尖觸鍵，也就是關系到8級以上的快速練習曲中的力度均勻問題。我學生中有個別會有這種情況，下鍵時90度但瞬間又往外扒了，就是力度沒有傳到指尖，只是一味的找90度，這個也是需要時間去磨的，只有觸鍵完以后還能保持指尖不軟不變形，才能彈低抬指的快速練習。其實正確觸鍵是只能感到指尖的骨頭在彈琴，那個感覺才對。再次是小拇指的正確觸鍵，小拇指很短，要把虎口撐開，就是觸鍵時指頭往外撐，就能成90度了，然后是力度穩定問題，這個需要最少一年練習，可以在《什密特》中找小拇指固定不動只彈1234指的練習。還有大拇指不能放平，關節全部彎曲，用下方的指甲邊上的那個點觸鍵。雙音的觸鍵靠手腕壓下的那股勁，手指不離開鍵，手腕做小落滾，手腕壓下低于鍵面在觸鍵，手指不要單獨抬高。還有落滾，跳音，盲練。。這些掌握不了想精練難度大的曲子是不可能的，有了這些基本功，再有好得練琴方法與樂感的培養，才能演繹完整的曲目，學曲子不在于難，在于基本功的扎實1.手腕絕對不能翹，就是彈的時候手腕跟著手指起伏，是絕對會拖慢你的速度而吃力不討好的事。2.肩膀要放松，手腕也要放松（不是說墜下來，就是比較自然），力量全在手指尖上面，可以試一下把食指放在一個鍵上，像勾住一樣手腕墜下來，（比較夸張一點但是差不多是這種感覺）。3.慢練的時候必須要放膽抬手指，每彈一個音必須要肯定的下去，但切記不能敲！彈的時候要準備下一個手指，就是彈一指的時候二指要先抬起來，后面的手指也會順便帶起來這是自然反應，不要緊的。但是練熟了之后就不能高抬指，速度會上不去，尤其練像哈農這樣快速的練習之類的。4.指法要清楚，不能含糊，每次都要一樣。每個音要保持一樣的力度。（音階）5.你老是說得是對的，掌關節突起會拖慢你的速度，什么叫關節散？。。只要好好練習手型，什么曲子都難不倒你加油。坐的姿勢坐時,身體的重心要依靠臀部和腳尖支撐。一般來說,彈奏者只應坐到凳子的三分之一左右的地方,不要把座位都坐滿,或把身子靠在椅背上。上身直立,腰不要塌陷,這樣,彈奏者可以從腰或者更下一些部位用上力量,上身略向前傾,使重心略靠前,便于將力量向前傳送至手指。坐的姿勢以自然,端正,有利于彈奏為原則,不要僵硬,緊張,或過于松懈。座位的高低,要根據彈奏者的高矮來決定,原則是肘,前臂,手,手與鍵盤保持一個相同的水平高度,或略高于鍵盤。座位的遠近,也要視彈奏者的胳膊的長短來決定,要使在彈奏時,胳膊可以自如的移動。一個小小的技巧:坐在鋼琴前,將兩臂在自然放松的情況下向前伸,兩手握在一起,使兩臂形成一個橢圓形,輕輕放下,如果正好落在白鍵上,這個座位的遠近就是比較合適的拉。腳的位置,一般可以放在踏板附近,這個位置比較適合于演奏,也有利于使用踏板。基本手型彈鋼琴要求手放松,自如的呈半圓形,手指略向里彎曲。試著先輕輕握拳,然后慢慢放開,直至手形成一個半圓狀,這就是演奏鋼琴的基本手型,過于平直和過于勾曲都會造成緊張。彈鋼琴的手型,是幾百年來人們經驗的總結,有其科學性,在學習中要遵循這種規律,另一方面,學習過程中如果手型過于固定,死板,也會產生另一種偏向。特別是當學習到一定程度,演奏不同時代,風格的作曲家的作品和不同性質的樂曲時,由于音色的不同需要,彈奏時要有不同的指觸感,那么,對手型的要求也必然更自由,但不管怎樣,即使是一個成熟的鋼琴家,他們的演奏也必然有一個基本的手型。有一個好的手型,關鍵是指掌關節與第一,五指指關節的站立。手腕與黑鍵鍵面基本保持在一個水平高度,掌關節戰好并略突起,使手掌成拱形。保持手型,主要靠大指和小指的支撐,這兩個手指的形狀和位置不同于其它手指,大指短而粗,小指細而小,它們都位于手掌的外側,容易躺著觸鍵,致使手型七扭八歪。如果它們能支撐站立好,那么基本手型也就容易保持。手指的第一關節即指關節,從一開始就要訓練站立的能力,要自然的站好,不能讓關節塌進去,第一關節站不好,想彈出集中,結實和有變化的聲音是根本不可能的。手臂的姿勢：大臂自然下垂，不要夾緊，前臂與鍵盤平行或略高于鍵盤。（應調節好琴凳的高度）手腕的姿勢：腕部與鍵盤平行，不能低于鍵盤或高于手掌，彈奏時要保持放松。手掌的姿勢：如右圖所示，整個手部呈半圓型（即整個手臂下垂時手部的自然姿勢），手心象著一個球，手掌應自然彎曲，第一關節和第三關節（掌關節）不得塌陷。掌關節是整個手部的最高點，好象“屋頂”，要特別注意。雙手的四指五指要“站”正，要做到這一點，須將雙手略向里（大拇指方向）傾斜些，五個手掌稍松開，在五度內應該一個手指對一個琴鍵。入門彈奏方法--重量彈奏法(斷奏)全臂斷奏法的練習主要的作用在于讓手指找到觸鍵的感覺，即能讓手指觸鍵穩、準。初學者會覺得很枯燥,很沒有成就感。但非連音的練習是連音彈奏以及各種演奏技法的基礎,只有保證了非連音的練習質量，才能為將來彈奏復雜的旋律打下基礎。先讓手的肘部向上抬起帶動前臂再帶動手腕、手掌提起。手自然下垂,手指自然彎曲，手臂抬的高度大概要抬到對準自己的嘴巴的高度，然后手臂放松，不對手臂施加外力，讓手臂自己落下，落的時候彈奏的手指要比其它的手指略伸長一些，對準要彈奏的音，落下后按在鍵上，指端站立好，掌關節不能塌陷，手腕與手基本保持一個水平高度，觸鍵的手指只要能支撐著就可以了，不要用過多的外力，其它不按鍵的手指，只是放在鍵上，不再用力，不要碰響其它琴鍵，不要過高翹起，造成緊張，手仍然保持基本的手型，手指自然彎曲。這樣，就完成了一個全臂斷奏全部過程鋼琴知識入門我們現在看到的鋼琴是由古鋼琴發展演變而來，其間經過了五、六百年的不斷沿革。現代鋼琴種類有三角鋼琴和立式鋼琴兩種。三角鋼琴又稱做臥式鋼琴，規格從四尺到15尺不等。其特點是音量大、音質比立式鋼琴純厚豐滿，造型美觀氣魄。但占地面積大，價格也貴。鋼琴鍵盤對于學習彈鋼琴的人來說，恐怕沒有比掌握鋼琴的鍵盤更重要的了。從直觀上看，鋼琴的鍵盤是由黑色鍵和白色鍵共計88個鍵所組成（少數鋼琴只有85個鍵）。其中黑鍵36個，白鍵52個。如果仔細觀察黑鍵和白鍵就會很容易發現二者的分布和排列呈現的規律性。即：黑鍵是兩個一組和三個一組。從鍵盤上很容易發現，整個鍵盤基本上就是由位于“中央1（C）”的白鍵上面的“1234567”這七個阿拉伯數字音構成的。這七個阿拉伯數字又叫做音符。如果我們試著依次彈奏中央的“1234567”七個音（現在先不用顧及手指的運用），并試著按照下面標出的方式唱一下每個音符：唱do2唱re3唱mi4唱fa5唱so6唱la7唱xi彈完“7”音符（xi）后,再彈上面加一個紅點的“”音，可以體會出這個上加點的“”音與中央“1”音的音響感覺一致，只是音調高了一些，這既是所謂的“高八度”音。同樣，彈奏中央“1”左面下加一點的“”音的音響感覺與不加點的“7”感覺相近，這既是“低八度”音。這樣我們可以推斷出剩下的那些上下加紅點的音符的基本特征了。現在我們再來看位于鍵盤“中央1（C）”用黃色圈出七個音的白鍵和黑鍵部分。黑鍵重復出現“b”和“#”這兩個符號。“b”是降半音號，“#”是升半音號。它們都是定義其右下方的音符。如“b2”表示“降2”即“2”音降半音；“#1”表示“升1”即“1”音升半音。黑鍵可以用兩個音符標示：如：“1”和“2”之間的黑鍵可以用“b2”與“#1”這兩個個音表示，即：“b2”=“#1”。在本圖中只是標出了中央部分的七個音符里的黑鍵及其相對應的音符。相信您一定能很快說出除中央1外的黑鍵音符。如何才能很快記住這88個鍵盤和與之相對應的音符呢？記住中央用黃色圈出的標有“中央1（C）”的“1234567”這七個白鍵音是非常重要的。要記住兩點：（1）中央“1”位于鋼琴鍵盤蓋子上的鑰匙孔附近；兩個一組的黑鍵左面的那個白鍵就是這個中央“1”。無論如何這個中央“1”是一定要牢記的。另外六個音順序向右方排列而成。（2）白鍵和1，3和4之間沒有黑鍵，余下的1和2；2和3；4和5；5和6；6和7之間都有黑鍵。鋼琴踏板鋼琴的踏板（又稱做踏瓣）是利用杠桿系統來使音響得到修飾，可以增加和減弱音的大小，使得音樂色彩更加富于變化。由于鋼琴踏板是用腳來操縱的故又稱腳踏板。一般家庭的鋼琴有三個踏板。用的最多的是鋼琴的右踏板。欲增強鋼琴的音量用右腳踩右踏板，使壓在琴弦上的止音器同時抬起來，引起全部琴弦的共鳴而增音。此外，踩下右踏板后，當手指離鍵時聲音得以延續。若想減弱音量用左腳踩左踏版，使擊弦的小槌靠近琴弦，縮短小槌的行程，從而減少小槌的敲擊力。一般的立式鋼琴才配有中央的踏板，這是為了在晚上練琴時不影響別人而采取的措施。把中央踏板踩下后向左邊的縫隙移動即可讓它長時間保持減弱音量的目的。中央踏板聯動一個裝有呢氈的木條，踩下踏板時木條下落擋住擊弦的小槌不能直接擊弦，而是擊打在呢氈上，從而使鋼琴音量大為減弱。鋼琴踏板的運用千變萬化，一般要根據每一首曲子的風格和要求來運用。鋼琴調音鋼琴上的琴弦長時間處于蹦緊的狀態，由于小槌不斷的擊打琴弦，加上外界震動，鋼琴機械構造本身的原因，以及氣候、溫度的變化影響都必然導致琴弦松懈，偏離標準的音律，這樣我們彈上去就感覺聲音不對，不如剛調好音律時好聽。鋼琴調律是一個非常專業的工作，不象小提琴和吉他那么容易。所以一定是請專業的鋼琴調律師來解決。一般來說，半年左右的時間調一次鋼琴比較適當。鋼琴的音越準，彈奏出來的旋律感覺越舒服、和諧，所以有條件的話應該保持音的準確。鋼琴保養鋼琴琴體和鋼琴外部的保護（1）避免陽光照射和靠近暖氣、火爐，導致油漆與外殼變形；（2）注意室內溫度和濕度。溫度過高或過低，太干燥或太潮濕都對鋼琴部件和琴體不利。北方地區通常室內過于干燥，可以在鋼琴下部體內放一碗水，任其揮發；（3）擦拭鋼琴表面要用軟紗布輕輕擦拭，避免劃傷油漆表面；（4）彈鋼琴的手指甲不要過長，以免損傷鋼琴鍵盤（尤其是白鍵盤）；（5）鋼琴有四支腳輪，經常點機油以免銹主；鋼琴內部的保護（1）鋼琴內部機械除琴弦、鐵骨外，主要是木質和呢氈的組合體。因此要特別注意防蟲蛀。每年放一些樟腦丸即可；（2）每年打開鋼琴琴蓋的上門清理灰塵，避免產生蛀蟲生長的條件第四篇：鋼琴教學中演奏基本功訓練探討論文摘要：優秀的鋼琴演奏是一個讓人陶醉的過程，鋼琴演奏者通過按鍵把音樂作品所表達的意境傳遞到聽眾的耳中，激發聽眾無窮的想象。鋼琴教學中最為基礎的就是基本功訓練，只有具備過硬的彈奏功力，才能更好地展現鋼琴作品，感染聽眾。本文筆者結合教學經驗，就如何優化鋼琴演奏基本功訓練展開探討。關鍵詞：鋼琴演奏；基本功；訓練；優化在當今開放式教育的背景下，鋼琴教師要走近學生，盡量多與學生互動，著重了解學生需要哪些方面的幫助。在此基礎上，教師還要針對學生的問題制定合理的學習計劃，讓學生在課堂上更好完成基本功的訓練。同時要改變教學方式，讓乏味的課堂變的活躍起來，激發學生的學習興趣。更要及時糾正學生們演奏技術中的盲點，促使學生完美的演繹曲目，為聽眾帶來一場聽覺盛宴。一、鋼琴教學基本功訓練的學生劃分每個學習鋼琴的學生都有著不同的生活背景和經驗閱歷，所以他們對鋼琴的理解也有很大差異，基本功也參差不齊。一類是學習鋼琴的專業生，他們的基本功比較扎實，對鋼琴的理解也相對較深，可以演奏出一些比較難的曲子。這類學生比較好管理，他們學習的積極性也較高；第二類是學習一些與音樂有關專業的學生，他們對于鋼琴的基本功也有一定的學習基礎，但并不扎實，這類學生的學習積極性沒有第一類的高；還有一類是與鋼琴專業無關的學生，他們在鋼琴面前完全是個新人，所以他們的學習積極性不會很高。在鋼琴教學中，難免會出現這三類的學生，所以教學的難度也會大大提升，制定的教學計劃也有很大差異，學生之間的矛盾也是不可避免的。在教學中，教師要準確分出這三類學生，針對不同類別的學生制定不同的教學計劃。當然，不同類別的學生對于鋼琴的認知程度也不相同。為了防止學生之間的矛盾，相互之間要分開進行教學，或者各自帶上耳機進行不同鋼琴曲的彈奏訓練，學生之間互不干擾。教師則進行一對一的檢查，給不同學生制定不同的學習計劃，并對學生進行針對性的指導。“集體式教學”可以有效降低“一對一教學”的高額成本，同時促進學生進步，使學生有更高的學習積極性。二、鋼琴教學基本功訓練的能力提升學生能否彈奏出一首優秀的曲子，識譜能力是最重要的因素之一。部分學生因為急于求成，對于識譜這項技能的學習并不是特別扎實，在演奏時總會出現一些無法避免的常識性錯誤，給教學增加了很大難度。所以，在教學過程中，教師要引導學生明白每一個音符所代表的含義，讓學生對每一個音符進行理解和消化，告誡學生不可急于求成，扎實的基礎是成功的根本。除此之外，教師還要針對這些學生放慢教學速度，讓學生慢慢提高自己的識譜能力。教師在教學過程心態很重要，要心平氣和地教學，引導學生找準每一個音在鍵盤上的位置，并快速找出下一個音的位置，這樣在彈奏過程中才會有更好的體驗。靈活的手指是演奏好鋼琴的基礎，教師要教導學生均勻發展每個手指，因為演奏過程中每個手指都有它的作用，手指的均衡與否直接決定著演奏的成敗。不同的鋼琴曲對技術的要求也不同，只有均衡提升每個手指才有可能彈出不同的曲子。因為受人本身因素的影響，二、三指常常會牽動四、五指，所以堅持不懈的訓練才會在演奏中取得好的效果。不同的曲子所表達的情感不同，一首曲子中的情感表達同樣重要。要把曲子中的情感淋漓盡致地表達出來嫻熟的技術是不可缺少的，技術是演奏的基礎之一，但是只一味地追求快速的彈奏缺少對音色以及情感的表達，彈奏出來的曲子也是不完美的。所以，對于觸鍵方法也要盡可能地多的掌握，適當的觸鍵方法能更好的幫助情感的表達，彈奏鋼琴本身就是傳達一種音樂情感。但是訓練者訓練時間不宜過長，乏味的訓練只會使音樂靈感喪失。一個優秀的演奏師就是用音樂與觀眾產生共鳴。三、鋼琴教學基本功訓練的教學方式師生互動很重要，同時“填鴨式”教育已經不適合目前的教學形式，一味地進行“填鴨式”教育只會使教學效果適得其反。